domingo, 14 de septiembre de 2014

El laberinto del fauno



Considero a Guillermo del Toro un director demasiado sobrevalorado en la industria fílmica, si reconozco que tiene talento para crear monstruos y escenarios oscuros pero acerca de sus películas, no comparto la idolatría de sus más acérrimos seguidores.

El laberinto del fauno producción hispano-mexicana de 2006 fue un éxito rotundo en el público y la crítica, ganadora de tres oscares, siete premios Goya en España y nueve premios Ariel en México.

La narración tiene dos niveles: el mundo real, en este caso la España de la Guerra Civil y por el otro lado el mundo mágico, en donde solo tiene acceso la niña protagonista.
Ambas líneas narrativas convergen en un mismo escenario sin mezclarse, entonces vemos a la protagonista moverse entre el mundo real y el mundo onírico, si este mundo es producto de su imaginación para escapar de una cruda realidad o es algo presente, algo que esta ahí invisible para el resto de los personajes es algo que se ha debatido pero no aquí.

La historia sigue a una niña que vive en un cuartel en la campiña con su madre embarazada y enferma, su padrastro un militar franquista. La niña aunque aún no lo sabe es la hija del rey del inframundo que perdió su identidad al subir hacia la luz. Para recuperar esta identidad deberá pasar por tres pruebas que le asignara un fauno si quiere volver a ser la princesa del inframundo.

La historia en si es un melodrama telenovelero, plagado de un sentimentalismo barato en el que la figura paterna ocupa el lugar de maldad absoluta. Toda la película tiene un carácter feminista en el que se busca destruir la imagen del padre.

La historia resulta demasiado sentimentalista, los buenos sufren, el malo les hace la vida imposible. Los buenos triunfan al final. Básicamente el argumento de una telenovela mexicana, reducida a dos horas.

Si hay algo que salvar de la película seria la trama fantástica que resulta entretenida (sin ir más lejos), si la historia se hubiera enfocado a eso en lugar de tanto melodrama posiblemente la película hubiera resultado mejor.

La película sigue la misma tendencia que sigue el cine español post-franquista, vemos a los republicanos más buenos que el pan y a militares malvados, no hay un punto medio. En la guerra no hay buenos ni malos, cada uno de estos bandos cometió atrocidades sin embargo en este tipo de películas el rigor histórico queda sustituido por un absurdo maniqueísmo.

El capitán del ejército vendría a ser el villano estereotípico de este tipo de películas, es tan malo que mata inocentes, tortura, acosa a la empleada, es negligente con su esposa embarazada. Representa también al patriarcado, la figura paterna vista como un arquetipo opresor, misógino mientras que los tres personajes femeninos (la niña, la madre, la empleada) representarían al matriarcado, al bien bajo la mirada del director.

En ningún momento en la película se mencionan los crímenes de los republicanos, las violaciones de monjas, los asesinatos de inocentes, las torturas a los disidentes. Se nos muestran como valientes milicianos, luchadores por la libertad, ocultos y marginados.

Entre los pocos aspectos buenos destacaría la excelente fotografía y el diseño de los escenarios como los bosques y las criaturas míticas.

El laberinto del fauno tiene entonces una fuerte propaganda antifascista y feminista en el que se busca demoler la imagen paterna, asociarla a la maldad en el inconsciente del público occidental.
Un producto sobrevalorado pero que sigue la ideología predominante en el cine actual, no recomendaría el laberinto del fauno a menos que busquen un poco de entretenimiento con su parte mítica pero sin ir más allá.

Existen mejores películas de fantasía que sería mejor ver en lugar de gastar tiempo con esta, como Laberynth –película que influye en la del Toro –con Jennifer Connelly y David Bowie, más entretenida y menos pretenciosa que esta.

              
         © Fernando Trujillo


Septiembre 2014


Recomiendo que visiten el blog del Oso Solitario donde esta una critica mas detallada de esta pelicula, aqui dejo el enlace: El Oso Solitario EL LABERINTO DEL FAUNO

viernes, 15 de agosto de 2014

El genio de Walt Disney





Por Fernando Trujillo

Walt Disney es un hombre que no necesita introducción, nacido en el medio oeste americano Disney fue unos de los más grandes genios de la animación a la par de uno de los hombres más queridos de la industria del cine.
Todos crecimos con las películas animadas de Disney, todos lloramos con la muerte de la mama de Bambi y con Dumbo, todos cantamos las canciones de Mary Poppins y todos disfrutamos de los finales felices de sus películas.
El genio de Walt Disney es indiscutible pero más que un animador, Disney fue un creador de mundos fantásticos. El hombre es un sub-creador, es capaz de crear mundos y universos y de poblarlos de arquetipos, mitos y maravillas.
La mente de un genio no tiene límites, ha abierto las puertas de la percepción que lo conducen al infinito y ahora es capaz de crear su mundo interior.
Disney dio vida a Mickey Mouse el personaje animado más famoso del mundo y a infinidad de personajes, héroes y villanos que pertenecen al colectivo arquetípico de la infancia. El mangaka Osamu Tezuka (conocido como el “Dios del manga”) expreso que los diseños y dibujos de las películas de Disney le inspiraron para crear sus propios personajes como el entrañable Astro boy.
Una de las características de las producciones de Disney es la dualidad en sus historias, el bien y el mal, la belleza y la fealdad, la bondad y la maldad, los valores humanos y el poder del dinero. En cada una hay una lucha entre estos dos opuestos.
La belleza de sus princesas contrasta con la fealdad de las brujas que quieren destruirlas, la alegría de Peter Pan  se opone a la amargura del Capitán Garfio mientras que en la película “Mary Poppins” hay una lucha entre los valores familiares (que Disney defendió toda su vida) contra la Usura Internacional.
Este dualismo se puede ver también en los segmentos de su obra maestra “Fantasía” desde la oscura escena del alzamiento del tenebroso Chernaborg hasta los segmentos de flores danzando y de una fiesta dionisiaca.
  Las mujeres en las animaciones de Disney son poseedoras de una belleza insuperable, trazadas con maestría se puede ver reflejada en esa beldad femenina su inocencia y bondad. Blanca Nieves, la princesa Aurora, Cenicienta, Wendy y Alicia todas tienen esos rasgos angelicales que capturan la atención de los sentidos de los espectadores.
Las películas de Disney son en conclusión una representación de la cosmovisión personal de su creador y un reflejo de sus ideales.

La primera producción de Walt Disney fue Alicia (basada en la obra de Lewis Carrol) la cual puso sus innovadoras técnicas cinematográficas como combinar personajes animados con actores reales. Sin embargo necesitaba un distribuidor para su obra y eso lo puso en contacto con el mundo del entretenimiento controlado por fríos e inescrupulosos empresarios. Por aquel entonces Walt junto con su hermano Roy habían fundado un pequeño estudio llamado Walt Disney Company y se habia mudado a Nueva York produciendo los cortos de Alicia para Margaret Winkler esposa del Carlos B. Mintz un antiguo representante de la Warner Bros.
Pese al éxito de los cortos de Alicia, el sueldo de Disney fue reducido y engañado por Mintz fue cancelado. Poco después crearía y produciría “Oswaldo el Conejo afortunado” la cual dio muchas ganancias a sus agentes pero mientras producía esta caricatura en secreto Mintz estaba vendiendo los derechos a Carl Laemmle fundador de Universal Pictures.
Esta traición hizo a Disney perder los derechos sobre su obra y su estudio sufrió un drástico golpe al perder ingresos y la mayor parte de su personal, no obstante a pesar de esa derrota el genio de Disney lo ilumino al crear a Mickey Mouse el personaje animado más famoso y querido de todos los tiempos.
A pesar del éxito que tuvo Oswaldo en manos de su creador, poco a poco se fue marchitando hasta caer en el olvido, mientras que las producciones de Disney remontaron el vuelo hacia el éxito.
Fue esta traición la que provoco un despertar en Walt Disney sobre quienes controlaban los medios y el mundo. Desde entonces Disney fue un opositor al poder de la judería.
Si en efecto Disney fue antisemita en el sentido de que se oponía a la influencia semítica en la política y en los medios, los veía como un peligro para los valores familiares que su estudio defendía en sus producciones.
A mediados de los años treinta los estudios Disney eran una empresa familiar en la que los animadores eran los mejores pagados del sector y con condiciones de empleo ejemplares pero eso no impidió una huelga en los estudios.
Esta huelga fue organizado por Arthur Babbitt un trabajador judío simpatizante del comunismo y que además era un colaborador en secreto del FBI (Disney se refirió a él como “rata de alcantarilla”), esta huelga daño la reputación de la compañía como una empresa familiar.
Esto ha provocado que a Disney se le acuse de racista, nazi, explotador y capitalista siendo todo lo contrario a esto. La biografía sensacionalista “Walt Disney: El Príncipe Oscuro de Hollywood” de Marc Eliot dice que en los años cuarenta Disney se convirtió en miembro del Partido Nazi Americano algo ilógico ya que dicho partido fue fundado hasta 1958.
Las reuniones a las que asistió Walt Disney eran dirigidas por los “Camisas Plateadas” una pequeña organización nacionalista pero no un partido que tenía como agenda la neutralidad de Estados Unidos en la guerra.
Disney fue un pacifista que se oponía a la entrada de su país a la Segunda Guerra, dando conferencias y discursos en apoyo a la paz, otros opositores a la guerra fueron el aviador Charles Lindbergh y el empresario Henry Ford.
El supuesto racismo de Walt Disney también es una falacia, en 1946 produjo “Songs of the South”  en el que actores reales se mezclaban con personajes de caricatura y en el que James Baskett da vida al adorable Tío Remus. En esta película convivían personajes de raza blanca con personajes de raza negra, algo insólito en la América de esos tiempos. A pesar de eso la película ha sido acusada de “racista” al presentar estereotipos de los negros que sin embargo eran comunes en esa época.
Lo cierto es que Disney fue anti-comunista mostrando claras simpatías por el régimen hitleriano. Muchos dirán que esto es mentira alegando que Disney produjo cortos anti-nazis, bueno estos cortos fueron hechos con imposición del gobierno.
El desprecio por la usura de Disney está reflejado en Mary Poppins en la que los banqueros están representados como hombres avaros y amargados, enemigos de la vida. Su opuesto Mary y sus amigos representan la unión familiar, la alegría y la vida.

Tras la muerte de Walt Disney en 1966 su estudio paso a sus herederos pero sus riñas e incompetencias los llevo a perder el estudio y a un declinar del mismo.
Hubo discusiones, pleitos y traiciones  para ver quien se quedaba con el estudio, al final quien se apodero de todo fue el empresario judío Michael Eisner definido como “un monstruo del control” por algunos medios.
Una vez en el poder Eisner organizo despidos masivos y recortes de los hombres de confianza de su fundador. En manos de Eisner la productora Disney creció en poder mediático y económico pero sacrifico su calidad artística.
Las producciones posteriores a la muerte de su fundador carecen de merito artístico aunque fueron éxitos de taquilla.
Los viejos animadores de la compañía, fieles a la figura de Disney y al viejo estilo estaban disgustados por la animación computarizada del estudio. Aunque Walt Disney fue un pionero en innovaciones técnicas, el estudio habia abandonado su herencia creativa en pos de las ganancias.
La baja calidad en las películas de la productora reside en hombres de negocios que controlan los estudios Disney. Las animaciones posteriores a la muerte de Walt Disney son una copia tras copia de las obras hechas en vida de su creador.
En la actualidad la más grande abominación hecha por los estudios Disney es ese aborto llamado Disney Channel un canal totalmente opuesto a los ideales de su fundador.
Dicho canal dirigido a niños y pre-adolescentes carece totalmente de calidad artística y sus programas están hechos con los fines de obtener jugosas ganancias de su ingenuo público.
Programas como Hannah Montana y Lizzie McGuire promueven un estilo de vida basado en el consumo, la mediocridad, lo políticamente correcto y la estupidez. Ninguna persona amante de las obras originales de Walt Disney podría sentir alguna simpatía por ese canal y Disney Channel es un reflejo de lo que la Compañía es en la actualidad: un semillero de mediocridad y podredumbre. Ni más ni menos.
Ahora lector si usted ingenuamente cree que Disney Channel promueve valores familiares está muy equivocado, los “valores cristianos” que este canal dice promover no son más que una máscara en la cual se esconden los anti-valores de consumismo, la sexualizacion de niños y pre-adolescentes y el poder del dinero.
Basta ver el capítulo de una de sus series para ver el mensaje que transmite: el americanismo más descarado, la destrucción de la identidad de la juventud no solo americana si no a nivel mundial.
¿Recuerdan la película Pinocho? Bueno en esa película hablan de la “Isla de los Juegos” un lugar al que los niños malos van dirigidos por el Cochero (el Sistema) a un lugar donde pueden comportarse como bestias y al final en bestias se convierten. Pues bien eso es Disney Channel.
Con la muerte de Walt Disney murió una era en la animación y murió un ideal, la compañía que creo fue corrompida. No obstante aun podemos disfrutar las animaciones hechas por este gran nombre. Verlas una y otra vez para apreciar el genio de Walt Disney.


Abril 2012


Revisado en Agosto 2014


Publicado originalmente en Imaginacion al poder: El genio de Walt Disney

sábado, 2 de agosto de 2014

Renovación de Ars Magna Cinematográfica




Hace tres meses que tengo abandonado Ars Magna Cinematográfica, mi última reseña fue de la película Bully de Larry Clark y desde entonces no he vuelto a abrir el blog.

Razones hay muchas desde el trabajo, la universidad, dedicarme a completar trabajos literarios (como la tercera parte de la Saga del Vril entre otros), la serie de textos El Poder del Patriarcado y compromisos sociales que me han impedido continuar con el blog.

El cine es una de mis más grandes aficiones, me gusta mucho el cine y fue esta afición la que me hizo abrir el blog. Ars Magna fue inspirado en el blog anglosajón Soiled Sinema, un blog de reseñas con un punto de vista políticamente incorrecto en el que se hacían críticas desde un punto de vista diferente a la crítica habitual.

Con Ars Magna quería seguir esa tendencia pero caí en la cuenta que de algún modo estaba siguiendo un mismo modelo de critica que siguen la mayoría de los blogs de cine.

No quería que mi blog se convertirá en un espacio de cine más para películas “raras” sino un verdadero espacio de crítica. Algo incómodo, algo duro, algo políticamente incorrecto, algo que no cualquiera digiera.
Aquí no voy a alabar a los grandes “genios” del cine como Kubrick, Tarantino, Burton, Del Toro, Allen, Polansky, Portier, Aronofsky, buen creo que ya me di a entender.

Si buscas un espacio en donde se exalte de manera fanática la nueva película de Kevin Smith o donde se le rindan cincuenta adjetivos para honrar al “maestro” Alejandro Jodorowsky, temo decirte que viniste al lugar equivocado.

Mi critica se centra en el cine como un reflejo de la decadencia de la civilización occidental, desde un punto de vista filosófico y ético. No quiero quedar bien con nadie ni quiero ser un borrego más que aplaude todo lo que el cine vomite.

Tampoco se criticara todo lo así llamado “mainstrem” ese no es el objetivo, se criticara todo tipo de cine sin importar las vacas sagradas o el país de donde venga.

El cine es un reflejo de nuestra época, del mundo en el que vivimos, así por ejemplo el cine alemán de los años veinte reflejaba con sus películas (véase mi critica de Nosferatu y Metrópolis) el horror y la oscuridad detrás de la República de Weimar.

El cine contemporáneo con su degradación sexual, ética, su apología de la tortura y el sadismo, refleja la decadencia de la cultura occidental de la cual Spengler y Parker Yockey hablaron en sus obras.
Quiero hacer de Ars Magna un espacio diferente y sincero, posiblemente no a todos les guste la filosofía del blog pero a quienes se queden espero puedan compartir una visión diferente a la crítica actual (demasiado lambiscona y complaciente).

Ars Magna vuelve a abrir sus puertas, sean bienvenidos a esta transformación y destrucción del cine actual.

         

      ©  Fernando Trujillo


Agosto 2014


Imagen de la pagina Filosofía Disidente


viernes, 4 de abril de 2014

Bully



Basada en un trágico caso que conmociono al estado de Florida la película Bully de Larry Clark trata el tema del acoso estudiantil, la amistad y la venganza.

A su vez la película es una adaptación del libro Bully: A True Story of High School Revenge de Jim Schutze. Tanto el libro como la película están basados en el homicidio de Bobby Kent perpetrado por sus amigos.

La historia se ubica en los años noventa en Florida, dos adolescentes Marty Puccio y Bobby Kent han sido amigos durante toda su vida pero el segundo siempre ha abusado y humillado a su amigo durante largo tiempo, esto comienza a cambiar cuando conocen a unas chicas, una de las cuales Lisa Connelly se enamora de Marty y poco a poco va influenciándolo para deshacerse de Bobby para siempre.

Larry Clark no dirige una película de crimen convencional, ni tampoco una fantasía adolescente de venganza, sino un crudo retrato del adolescente americano como hizo con Kids y posteriormente con Kent Park.

Bully es una visión de la clase media alta americana, adolescentes apáticos sin mucho que hacer, paseando por centros comerciales y jugando videojuego pero cuya apatía los lleva a involucrarse en videos pornográficos, prostitución homosexual, drogas y sexo sin compromiso. Detrás de esa civilización de primer mundo se encuentra una civilización agonizante y corrompida.

La América de las películas de Larry Clark son la representación de la degradación de la Cultura de la que hablo Francis Parker Yockey en su Imperium y la América de los seres sin alma de los que hablo Julius Evola en su texto “Americanismo y Bolchevismo”. Culturas degradadas habitadas por seres materiales.

No creo que Larry Clak haya leído a estos dos autores pero es un hombre que se define a sí mismo como moralista y preocupado por la juventud americana.

Bobby Kent y sus amigos son seres sin alma, seres esclavizados por los placeres materiales, el primero es un psicótico que humilla, viola y es capaz de vender a su mejor amigo, los otros movidos por la desesperación y el odio llevan a cabo una venganza que terminara con destruir sus vidas.

El sonundtrack contiene música hip hop y rap que da una atmosfera de verdadera decadencia, de corrupción y de una juventud viciada. Adolescentes drogándose al ritmo de esta música, teniendo sexo buscando un goce efímero, violando y humillando a otros mientras un rapero canta sobre una sub-cultura de drogas y prostitución.

El caso fue bastante famoso y perturbador para la sociedad americana, a diferencia de la película el verdadero Bobby Kent era un chico iraní mientras que en su versión fílmica es retratado por Nick Stahl (Carnivale, Sin City).

De los chicos la mayoría ya fueron liberados, algunos como el mismo Marty Puccio continúan en la cárcel, por lo que estuve investigando se dedica al arte, la vida cristiana y ha perdonado a Bobby Kent.

Nick Stahl logra una interpretación convincente como un abusivo chico de carácter psicótico, el fallecido Brad Renfro como un atormentado y rencoroso Marty, Rachel Miner (exesposa de Maculay Culkin) convence al personificar a Lisa Connolly con esa apariencia angelical y al mismo tiempo maquiavélica, una de sus mejores escenas es cuando presume ante una amiga el asesinato que cometieron con una sonrisa.

Bully recibió críticas mixtas en parte por su dureza y otras que aplaudieron su realismo, en mi opinión este junto con Kids y la regular Ken Park son de sus mejores trabajos, después el director comenzó a repetirse hasta el cansancio.

Una película realista sobre la realidad americana de los años noventa, Bully es el testimonio de una generación perdida y sin futuro.


Abril 2014


        
      © Fernando Trujillo

lunes, 24 de marzo de 2014

Nosferatu



Al igual que con Metrópolis esto más que una crítica hacia un clásico del cine de terror es una reflexión de la primera película de vampiros del cine. Filmada en 1922 por F.W Murnau el proyecto comenzó como una adaptación de Drácula de Bram Stoker pero debido a los derechos de autor, se hizo una adaptación apócrifa de la misma.

Murnau introduce a la figura del vampiro al mundo cinematográfico, el Conde Orlock es el vampiro original, una alimaña que huye de la luz y que se alimenta de sangre por las noches, una criatura que representa la maldad y la oscuridad pura lejos del romanticismo de décadas posteriores en cine y literatura.

Como sucedió con Metrópolis, Nosferatu es un reflejo de la Alemania de su tiempo, un país devastado, con su imperio perdido y sumergido en una república corrupta.

Mayormente se cree que los años posteriores a la Primera Guerra fueron un periodo de prosperidad pero el cine de su tiempo con sus escenarios oscuros, con sus monstruos y sus sombras eran un reflejo del inconsciente europeo que iba proyectando sus temores y traumas en la pantalla. 

La trama de Marnau es en un principio idéntica a la de la icónica novela de vampiros, el protagonista llega a Transilvania para concretar una venta inmobiliaria con el Conde Orlock, poco a poco el joven va sospechando que su anfitrión es un vampiro hasta que es demasiado tarde.

La llegada del vampiro a la comunidad alemana de Wisborg en donde comienza un reino de terror como una plaga que se extiende.

Analizando un poco la película vemos a una comunidad tradicional alemana siendo invadida por un enemigo externo, un demonio que se oculta en las sombras y que va extendiendo una plaga que causa pánico y muerte.

Recordemos que la Alemania de su tiempo temía la expansión del comunismo que se había apoderado de Rusia, el enemigo externo infiltrándose en un país, el monstruo nocturno acechando desde la oscuridad.

El vampiro representaría al judeo-bolchevismo en el inconsciente germano de su tiempo, esa criatura parasitaria que se alimentaba de la sangre y la vida de sus víctimas, una criatura venida de otra tierra infiltrada en casa. 

Aunque el expresionismo alemán fue considerado dentro de la categoría de arte degenerado por el Tercer Reich, era de cierta manera una propaganda involuntaria del Nacional Socialismo. Marnau se exilió a América en donde continúo dirigiendo películas aunque ninguna como Nosferatu.

Creo que ninguna otra película en la actualidad ha sabido describir el vampirismo como lo hizo Nosferatu, con esa atmósfera de terror y de maldad ancestral que lleva la mítica criatura, el cine de vampiros de épocas posteriores a humanizado esta figura viéndolo más como un personaje trágico que como una alimaña hasta la total degradación de la Saga Crepúsculo en la que ahora es un héroe romántico para las adolescentes.

Nosferatu es una película que sigue impactando y fascinando, un testimonio del miedo y angustias del hombre occidental de los años veinte, esa década que generalmente se recuerda como los “años felices” y que exorcizaba sus demonios en el cine.

               

     ©  Fernando Trujillo


Marzo 2014

lunes, 17 de marzo de 2014

Roman Polanski como ejemplo de la doble moral de Hollywood



Por Fernando Trujillo

En el año de 1977 el cineasta Roman Polanski fue acusado de violar a la menor Samantha Gailey de solo trece años de edad. Posteriormente la investigación dio como resultado que Polanski uso drogas con la menor para tomarle fotos desnuda y luego abusar de ella en el interior del sótano de la casa de Jack Nicholson.
Polanski se declaro culpable de estos cargos pero un año después huyo a Inglaterra donde tenía una residencia y después a Francia, país en el que vive en la actualidad y del cual de acuerdo a las leyes de dicho país no puede ser extraditado al tener la ciudadanía.
A pesar de haber cometido una violación Polanski gano el Oscar en 2002 por su película “El pianista”, aun continua ganando premios y elogios de la crítica por cada película que estrena. En Hollywood y en el mundo del cine es reconocido como una institución, se le ha catalogado como uno de los genios del cine y es objeto de culto por parte de jóvenes cineastas y cinéfilos. Todo este éxito lo ha obtenido gracias a la impunidad y a la doble moral que impera en Hollywood.
Usted amable lector seguramente es padre de una niña, tal vez tenga sobrinas o primas, tal vez conozca a una niña que juegue en su vecindario. ¿Le gustaría ver a un pederasta libre? ¿Le gustaría que fuera castigado? Cualquier persona con un poco de ética le gustaría que un violador de niños estuviera en una silla eléctrica, entonces para un hombre honesto seguro es frustrante que un hombre sin moral como Polanski este libre, ganando premios y disfrutando de la buena vida. Lo que usted querría es verlo tras las rejas.
En este ensayo no está a discusión si Polanski tiene talento o no, no se está hablando de la calidad de sus películas, lo que se está hablando es del hombre y de un crimen que hasta el día de hoy no tiene castigo. 

El día 29 de septiembre del año 2009 Roman Polanski fue detenido en Zurich para extraditarlo a los Estados Unidos, una extradición que nunca se logro. Ante el arresto surgieron protestas movidas en todo el mundo occidental movidas por los medios masivos, los liberales, defensores de los derechos humanos y la elite de Hollywood. Todos pidiendo por la liberación del cineasta.
Todo este apoyo, toda esta impunidad se debe a que Polanski es miembro de la elite que controla Hollywood, esa misma elite a la que pertenecen Steven Spielberg, Woody Allen, la familia Weinstein, Dustin Hoffman y una lista interminable de directores, actores y productores. Por supuesto hablo de la elite judeo-plutocratica que controla el mundo del entretenimiento.
Si Polanski fuera un goym cualquiera tenga por seguro que sería refundido en la cárcel pero al pertenecer a una poderosa elite lo hace inmune a la justicia.
En los distintos medios de comunicación pudimos ver marchas a favor del cineasta, protestas y peticiones por su liberación pero nunca vimos actos de protesta porque fuera a dar a la cárcel, posiblemente si los hubo pero no fueron tomados en cuenta y si tuvieron cobertura fue lo más mínimo.
Hablar a favor de que encierren a Polanski sería ir contra la opinión de las mayorías, seria acusado de conservador, seria echarte a toda la Liga Antidifamación encima. La minoría que quiere que se haga justicia no es tomada en cuenta, es ignorada o callada.
Lo que resulta más hipócrita es que este sujeto se atreve a dirigir filmes en los que presume defender los derechos humanos como su tan elogiada “El pianista” una típica película sentimentalista del holocausto en donde el mismo se ve reflejado en el protagonista como una “victima” del “malvado” sistema de justicia. Este es el mensaje de la película, en el que el mismo Polanski se ve como una víctima dentro de la sociedad. Con todo y violación gano el premio al mejor director. Por supuesto no se presento a la entrega, en su lugar toda la elite lo aclamo con una fuerte ovación.
La prensa lo sigue catalogando como un artista exiliado, como un hombre condenado injustamente y demás calificativos que lo ponen en la posición de héroe. Esos medios que tanto lo han elevado a la categoría de mártir son manejados por la elite, los hermanos de sangre de Polanski.
Muchos dirán “es algo que paso hace mucho tiempo, ya está olvidado” entonces siguiendo esta lógica debemos olvidarnos de las muertas de Juárez pues fue de los noventa “ya es noticia vieja”, debemos también olvidar cualquier crimen sin resolver años atrás pues “fue hace mucho tiempo”. No ni olvido ni perdón para quienes comenta un crimen, si van a pagarlo que se en la cárcel.
El entonces gobernador de California Arnold Schwarznegger quería encerrarlo de por vida pero no pudo hacer mucho. Polanski salió libre, continua filmando y ganando premios.
Aquí en México hubo un artículo a favor del cineasta publicado en la revista virtual “La Mosca” que me llamo mucho la atención, el articulo lleva por título “Free Polanski” del periodista Jairo Calixto Albarran.
De entrada el articulo está escrito por un periodista afín al establishment con ínfulas de rebelde. No solo adopta una actitud lambiscona al llamar a Polanski “maestro venerable” si no que aparte acusa a las autoridades suizas de “traidoras” por querer hacer lo correcto al querer que pague por su crimen. En el mismo texto el periodista habla de la violación como un “pequeño desliz” ¿La violación de un niño es algo insignificante? Al parecer cuando se trata del “maestro venerable” entonces sí lo es. No vale la pena continuar hablando de este articulo salvo decir que es un ejemplo de una prensa manipulada, sin ética, sin criterio y de periodistas pro-sistema.

En el año 2010 Roman Polanski gano el premio Cesar por su película Ghost Writer (El escritor en las traducciones al español), está claro el mensaje: Hollywood y Polanski se ríen de nosotros.
Nos restriegan en la cara que son poderosos, que son intocables, que pueden hacer lo que quieran al fin nosotros siempre vamos a consumir lo que producen.
El caso de Roman Polanski es un pequeño ejemplo de la doble moral de la meca del cine que por un lado “lucha” por los derechos humanos mientras que por otro defiende (y al mismo tiempo aprueba) la pederastia.
¿Dónde queda la justicia entonces? Es un hecho que para nuestro sistema los poderosos pueden escapar de ella sin ningún problema, hemos visto casos así en nuestras ciudades, como a los pobres son a los que se les aplica el castigo mientras que a los miembros de la copula de poder se salen con la suya.
Polanski cometió una violación, aun así disfruta de su libertad en Francia, lo puedes ver en elegantes eventos sonriendo, acompañando a su despampanante esposa, saludando a las cámaras y riéndose de nosotros.
Protegido, admirado, mitificado por esa élite que enajena las mentes de los pueblos con su entretenimiento barato. Polanski es un icono de la impunidad que abunda en los “artistas” modernos. Porque esas figuras son glorificadas por una prensa sensacionalista y un pueblo aborregado mientras que quienes buscan la verdad solo encuentran silencio y represión.
Nosotros como sociedad nos creemos lo que la prensa nos dice, tenemos los ideales que quieren que tengamos, nos dicen que es inocente y quien es culpable. Así aquellos seres despreciables como Polanski son libres y exitosos.
Es posible que Polanski muera tranquilamente en su mansión sin recibir castigo, existe una posibilidad más grande de que al morir se le rindan tributos, homenajes y toneladas de premios póstumos. Sin embargo con todos esos reconocimientos, elogios y premios Roman Polanski no deja de ser un infame violador de niños. La mierda sigue siendo mierda por más que la intentes hacer parecer oro.

Abril 2011




jueves, 27 de febrero de 2014

Metrópolis



Más que hacer una crítica, lo que quiero es hacer una reflexión sobre Metrópolis la obra maestra de Fritz Lang y una de las obras más representativas del Expresionismo alemán.

El guion y su versión novelizada fueron escritas por la esposa de Lang, Thea Von Harbou una actriz y escritora miembro de la aristocracia prusiana y una de las mujer más influyentes del mundo del cine, injustamente desconocida.

Metrópolis fue la película alemana más cara de su tiempo, presentando un escenario futurista de proporciones épicas.

Así con una escenografía adelantada a su tiempo Metrópolis recrea un ambiente fantástico en donde impera una atmosfera opresiva y oscura. La pesadilla industrial y capitalista hecha realidad en una espeluznante Babilonia filmica, alejada y al mismo tiempo parecida a la entonces República de Weimar.

La historia gira en torno a una ciudad donde los obreros malviven trabajando largas jornadas mientras que los empresarios viven en la parte más alta con lujos y comodidades, dentro de este escenario nada alejado de la realidad, Freder el hijo del amo de la ciudad conoce a María una bella joven que predica un mensaje de unión y esperanza.

Poco a poco Freder va conociendo el horror de las condiciones infrahumanas en las que viven los obreros, mientras tanto Rotwang un científico loco crea un robot idéntico a María para vengase del padre de Freder.

La película tiene un fuerte mensaje anti-marxista y es que la esposa de Lang fue partidaria de las ideas hitlerianas, haciendo de Metrópolis una película de propaganda de forma inconsciente, Lang quien fuera un adversario del nacional socialismo termino divorciándose de Thea y partiendo a Estados Unidos.

El expresionismo alemán era una válvula de escape en la que la psique alemana dejaba salir sus más grandes miedos y frustraciones. El alemán de la República de Weimar era un hombre que acababa de salir de una guerra desastrosa para su país, malviviendo en una república decadente y preocupado por el avance del bolchevismo en Europa.

Todos miedos los expreso en las películas de su tiempo y Metrópolis no fue la excepción, siendo una película de ciencia ficción reflejaba la realidad de la república en la que los obreros malvivían mientras que los más afortunados despilfarraban su dinero en prostitutas, drogas y cabarets.  Mientras en las calles los bolcheviques iban ganando más adeptos por medio de agitaciones sociales.

Dentro de la película el doctor Rotwang representa al judío que con su ciencia crea un golem-robot idéntico a María pero con una personalidad opuesta, si la verdadera llamaba a la paz entonces esta replica malévola llama al odio y a la destrucción. Los obreros siguiendo el mensaje de la falsa María comienzan a provocar caos.

La verdadera María representa la paz, la pureza y la esperanza con un aspecto dulce y virginal mientras que su “golem” es una mujer seductora, demente, llena de odio, representando dos lados de la figura femenina, una nos lleva hacia la luz mientras que la otra nos arrastra a la oscuridad.
Después de la destrucción ocasionada por el odio viene un final en el que encontramos la reconciliación y la paz.

El mensaje es claro la lucha de clases divide al pueblo, es odio y resentimiento, al final lleva a la destrucción de una civilización. La película contiene un mensaje de esperanza opuesto a este, la reconciliación entre el empresario y el obrero, la unión entre las clases sociales, ayudándose mutuamente y colaborando juntos como pueblo.

Este final era un mensaje para la nación alemana de su tiempo, la lucha de clases no iba  a llevar a nada mientras que la unión sacarían al país adelante. Un mensaje que a casi cien años de su estreno debe de analizarse y tomarse en cuenta sobre todo en un mundo tan dividido en luchas sindicales y empresariales.

Thea Von Harbou fue una prolífica escritora que siempre estuvo al lado del Tercer Reich y que escribió varios guiones para las películas de su esposo en aquel entonces Fritz Lang, sobra decir que una vez que este se fue a Estados Unidos continuo su carrera como cineasta pero ya sin la gloria y el éxito que tuvo al lado de su esposa.

Metrópolis a pesar de su ambiente oscuro tiene un mensaje de esperanza, de unión y de amor que hicieron eco en una sociedad deprimida y asustada.

              
            © Fernando Trujillo


Febrero 2014